Más allá de los límites, los sentidos y otras cosas más.

Reflexiones sobre Estética y el arte

Escrito por  SQ

“Ningún artista ve las cosas como en realidad son.

Si lo hiciera dejaría de ser artista.”

Oscar Wilde

          Uno de los grandes dilemas al que nos enfrentamos los que estamos involucrados con el arte es, si ampliar las fronteras de lo que reconocemos como arte o poner en duda la misma idea de obra de arte, la gestión del curador y el llamado cubo blanco.    Esta reflexión se me hace visible generalmente cuando voy a un museo o asisto a una exposición, donde me pregunto: ¿Esto es una obra de arte? ¿Debemos poner límite al arte? ¿Es lícito censurar al arte? ¿Cuál es el rol del curador y el de la institución cultural en un sistema capitalista?  ¿Debemos pensar en otro tipo de arte? ¿Cuál es la función de la galería o el museo?  Interrogantes muy comunes, pero a la vez muy complejas de responder. 

 Al hablar de la “obra de arte” Arthur Danto[1], en los ochentas emitió una frase contundente:  “Sólo cuando quedó claro que cualquier cosa podía ser una obra, se pudo pensar en el arte filosóficamente” (C. Danto 1996).   Y esta reflexión era porque en el arte conceptual no necesariamente tenía que haber un objeto visual palpable para considerarla obra de arte, es decir, que no se podía enseñar lo que es arte a través de ejemplos. Y como cualquier cosa podía ser arte, entonces nos llevaba a investigar lo que es arte.  Esto implicaba darle al arte, un giro hacia la filosofía, es decir, un vuelco desde de la experiencia sensible hacia el pensamiento.

Aunque ya desde Duchamp con su célebre urinario y luego los ready-mades, se podía suponer que cualquier cosa podía ser arte.  Arthur Danto toma de referencia a Andy Warhol y su Brillo Box como el hito de partida del llamado arte contemporáneo o como el filósofo lo llamaba “arte posthistórico”. Pero, entendemos que ¿Que es Arte Poshistórico? ¿Por qué Danto eligió a Warhol y no a Duchamp a pesar de que éste último rompió con los esquemas estéticos muchos años atrás? ¿, Cuál es la naturaleza del objeto para Arthur C. Danto?  ¿Que hay después de esto? ¿Cómo responde la institución del arte en el siglo XXI?

Esta breve introducción me permite explicar la intención de este ensayo.  Más allá de establecer un diálogo entre el arte y lo sensorial o de poder contestar o no las interrogantes formuladas, lo que me interesa es plantear un cuestionamiento no solo a lo que afirma Danto, quien pondera la idea de que no puede haber arte sin una atmósfera teórica que nos proporcione una determinada concepción del arte y que con ello nos permita reflexionar sobre la naturaleza de su objeto.  Sino reflexionar sobre la institucionalidad del arte y la relación obra-artista-curador-espectador, sobre los límites del arte, la censura y los nuevos medios.

        Para el estudio tendré como referencia varios artistas contemporáneos de distintos estilos y movimientos.  Los  artículos: “Sueños Despiertos” de Arthur Danto, “El Cine y la Nueva Psicología” de Maurice Merleau-Ponty  Investigaciones extradisciplinares[2].  Hacia una nueva critica de las  Instituciones de Brian Holmes[3]y  “When attitudes becomes form de Harald Szeemann” de Hans Ulrich Obrist [4]  Notas sobre Critica Institucional de Simon Sheik[5]   así como otros textos, enunciaciones y opiniones de expertos tomados de internet, todos referente  al tema y  que puedan servirme de soporte a este ensayo.   Sin embargo, debo aclarar que no pretendo definir de manera formal la situación actual del arte o fijar parámetros del mismo, así como tampoco dar pautas a seguir sobre lo sensorial y el arte, o sobre la institucionalidad del arte y su accionar, la actuación del curador en el campo artístico y el rompimiento del límite del arte,  sino que trataré  mediante este análisis y frente a las interrogantes y cuestionamientos antes expuestos y otros que me resulten de los mismos, obtener un criterio personal y por ende mis propias conclusiones.

Para empezar, partiré con este pensamiento de Danto: “después de la muerte del arte, todo lo que sucede o surge después de él, es arte poshistórico.” (Danto 2013,4) ¿Pero, a que se refiere por arte posthistórico? Según mi criterio se entendería como “el arte que adquiere autonomía al liberarse de ciertas ataduras históricas y deja de ser dependiente de la filosofía misma. 

Al arte poshistórico también lo llaman arte contemporáneo, y respecto a éste en la actualidad hay múltiples concepto e interpretaciones. Filósofos, críticos, curadores, sociólogos, etc., dan sus criterios, unos a favor y otros en contra; he aquí algunos:

“El arte contemporáneo es una farsa” excluyente y que sus cómplices son los curadores, los galeristas y las revistas.”  Avelina  Lézper, crítico de arte

“Arte Contemporáneo es aquel que se aparta de la tradición milenaria de las artes occidentales, rompe con una historia museística que de hecho las vanguardias habían continuado con candidez, y adopta una posición reflexiva que no toma en consideración la obra o el artista como lo esencial de la práctica artística.”    Félix de Azúa, Doctor Filosofía

"Arte contemporáneo es un territorio donde conviven diversas disciplinas ya fuera de sus casilleros y donde los limites se hacen cada vez más permeables, donde el espectador no solo es espectador sino es quien activa la obra."   Alexia Tala. Curadora

Pero ya que los mencionamos, aquí me salta otras interrogantes, preguntas bastantes complicadas de contestar, quizás controversiales o sin posibles respuestas, pero que las trataré más adelante, por ahora seguiré con el asunto de Danto y el arte poshistórico.  Se dice que todo arte tiene una esencia universal que lo define como tal, sin embargo, a pesar de los diversos conceptos y significados de arte poshistórico o contemporáneo, continuamos sin saber ¿Qué es arte?   Arthur C. Danto, en su afán de definir el arte, decía lo siguiente: “Que algo pudiera ser arte sin ser bello, es una de las grandes aportaciones filosóficas del siglo XX” (Danto 2013,43)

 Retrocediendo en el tiempo, con la llegada de la Modernidad surgieron nuevos tipos de expresiones artísticas: El impresionismo y el postimpresionismo, fueron los que abrieron el camino, posterior a ellos y teniéndolos de referencia aparecen las vanguardias como el fauvismo, futurismo, expresionismo, dadaísmo, cubismo, constructivismo, surrealismo y neoplasticismo en el que el color y la forma se potencializa.  como medios que rompían con los esquemas de lo que se consideraba una obra de arte.  Más adelante entre los sesenta y setenta el pop-art, el fluxus, el performance, el happening, el concretismo y el conceptualismo, irrumpieron el plano artístico, un arte que se torna más expresivo, no enmarcado dentro de las bellas artes, donde se niega el pasado, se rompen esquemas, y se pone en jaque a la institucionalidad artística de esa época. Aquí la mímesis queda de lado y la belleza no es una cualidad importante, tal como lo señala Danto en su publicación “Sueños Despiertos”:

 “La imitación ya no puede formar parte de la definición del arte, pues el arte moderno y el contemporáneo están llenos de contraejemplos. (Danto, Sueños Despiertos, Que es el Arte? 2013,45)

Efectivamente, en el arte contemporáneo hay un extenso abanico de “contra ejemplos” no solo porque carezca de mímesis y belleza o posean uno de ellos, sino porque los artistas actuales han llevado el arte a niveles insospechados.    Cito por ejemplo el arte de Chris Cunningham[6], con sus imágenes inquietantes, niños deformes, un hombre que corre por las calles de nueva York mientras su miembro va cayendo al suelo, estallando en mil pedazos, mujeres sumergidas en un tanque de agua, etcétera, Juega con una serie de obsesiones temáticas y plásticas: atmósferas gélidas, paisajes opresivos, colores fríos, iconografías que bordean la ficción y lo fantástico, todo mezclado en un extraño sentido del humor.  Sus obras no son lanzadas al azar, todas ellas tienen un referente tanto cinematográfico como literario: Blade Runner, Cronenberg, JG Ballard, entre otros.  Su arte nace de la percepción y la reacción ante el sonido.   

Matthew Barney[7],   otro artista que mezcla escultura, fotografía, dibujo, video, y su propio cuerpo para hacer sus obras tipo largometrajes, todas ellas con una riqueza expositiva única, pero de muy complejos significados.    Sus creaciones nacen de investigar y experimentar los límites de la resistencia, las limitaciones del cuerpo y explorarlo en vivo de manera multimediática.  Lleva a cabo acciones de gran esfuerzo físico, incorporando imágenes y escenarios complejos de significados contrapuestos. Sus imágenes experimentales son consideradas las más enigmáticamente hermosas que jamás se podrán ver.  Equilibra lo autobiográfico, lo formal, con lo mitológico y el material más intuitivo y abstracto. Busca no crear el retrato de un individuo, sino un complejo, un sistema que describa una forma individual forma de una forma surrealista.     Dos artistas que no escatiman en gastos, pues invierten miles de dólares en sus producciones, su arte ha pasado a otras esferas, pues se han vinculado con la música y el cine, pero sin esa concepción mercantilista de la publicidad, sino como una simbiosis entre el trabajo de dos creadores músico-realizador en el caso de Cunningham y el de las imágenes y memoria el caso de Barney.

Merleau-Ponty decía:   “por una inspección del espíritu, de aquello que yo creía ver con mis ojos.  Estoy persuadido de que mis ojos siguen existiendo cuando no los veo.”[8]        En este sentido, dentro del arte contemporáneo, el artista brasileño Hélio Oiticica[9], se identifica con este pensador.  Oiticica se dedicó a desarrollar una práctica artística que involucraba la percepción, conocimiento, sensaciones y experiencias, además de la reflexión sobre el papel del arte en la sociedad.  Conjugaba dos lenguajes artísticos: el de las vanguardias europeas, pero con una mirada hacia lo ritual.  Buscaba colocar al color situarlo en una dimensión espacio-temporal de manera que se convierta en un objeto dinámico y mutable. A través de su obra buscaba en el color una percepción trascendental de los sensible, como una sustancia que va más allá de la condición material; buscaba impulsar al espectador a que se involucre activa y conscientemente en la obra de arte.  En sus obras el espectador penetra en la obra para descubrirla desde su interior. Una especie de fenomenología del color (invención) y la pura experiencia (vivencias).

Helio Oiticia.  El Gran Nucleo 1960

         Dentro del plano del arte urbano, la ilustración y la pintura, esta Shaka, un artista que juega con los límites, pero en el sentido de jugar con la realidad, sus obras salen literalmente del plano, colores que abandonan las paredes, formas que se confunde en el plano y trazo.    

Arte en 3D   Shaka

Por último, ejemplarizo el performance-happening como el medio que involucra la participación del público, la improvisación y donde el límite lo marca el artista.  Con en la obra “My Boston” del chino Zhang Huan[10] donde a modo de crítica al sistema educativo se comía las hojas de un libro demostrando que no podía dirigirse. También están Orlan[11] con sus intervenciones quirúrgicas en grabadas en vivo y   Marina Abramovic[12], con su sometimiento del cuerpo a experiencias extrema y peligrosas tratando de explorar los límites físicos y mentales del ser humano.

My Boston.   Zhang Huan (2006)

Marina Abramovic- Rhythm 0' (1974)

Orlan-  9th Surgery-Performance, 1993, 9ème opération chirurgicale-performance

Como podemos observar es una pequeñísima muestra de artistas contemporáneos, cuyas obras no solo han levantado polémica, sino que están basados en el juego de las percepciones y sensaciones, han establecidos el uso de otros medios que ya no son los tradicionales, pero que igualmente logran que el espectador se conecte con la obra, se integra, socializa y genera una reflexión positiva o negativa de la misma.   No son mimética, y en algunos casos tampoco son bellas, tampoco tiene factura, de por si características que servirían para definir el arte, pero que en el arte contemporáneo no se cumplen.    

         Entonces, ¿Qué es arte?  y a la esencia universal que se supone posee el arte, debo decir que como aún no se ha podido definir esta esencia universal, no se podría hablar de una definición del arte, además tratar de definirla sería poner límites al arte, en otras palabras, estaríamos matando una vez más al arte.   Por otro lado, la estética considerada desde tiempos atrás, parte de esta esencia universal, realmente no lo sería, porque los estilos y los movimientos artísticos son solo marcas o etiquetas temporales usadas por los expertos e historiadores de las artes.

           Lo cierto, es que debemos considerar que no todo lo que se diga con respecto a lo que es arte o no es arte se dé por hecho.  Pues lo que antes pudo ser chocante para la sociedad hoy en día son consideradas obras de arte y sus exponentes unos genios del arte. Quizás lo que ahora consideramos que no es arte, después de varios años pasen a ser obras de arte.  ¿Con esto se abre la posibilidad de que en lugar de preguntar ¿Qué es arte?, nos preguntemos ¿Cuándo es arte?  Aludiendo a los años o al tiempo en que se ha creado las obras y no tanto por las características del objeto en sí.

Sin embargo, aun seguimos debatiendo el pensamiento de Danto, el de determinar si un objeto/acción es o no una obra de arte.  Y es que, si cualquier cosa o acción puede ser arte, como saber ¿Qué cosa es arte? y ¿Qué no es arte? ¿Qué hace que una botella/caja/silla o un vestido cualquiera, de repente sea visto como una obra de arte, que alcance valores exorbitantes en mercado de arte y se exhiban en los mejores museos del mundo?, Al respecto considero que es una mezcla de varios factores, no solo en lo estético y filosófico, sino en lo económico, político y social.

          Pero aceptar como un hecho, la afirmación de Danto sobre la necesidad de tener una atmósfera teórica que nos permita reflexionar sobre la naturaleza del objeto con el fin de que una obra de arte sea considerada arte, y  adicional  poseer ciertas características estéticas, que nos permita, reconocerla como arte,   implica  no reconocer como arte,  algunas prácticas como las pinturas prehistórica, el arte africanos, el arte egipcio, el arte hindú,   el arte japonés, o algún ritual simbólico, por el simple hecho de que no fueron creados dentro de un marco teórico, llamado por ejemplo renacimiento, o barroco, o cualquier otro reconocido por la historia del arte occidental.

           En este punto, yo me inclinaría por la teoría de Tilghman que dice “no basta con tener una teoría para que algo adquiera el estatus de arte, hace falta una reacción” (León 1984)Identificar algo como arte no es distinto a la experiencia que la obra provoque.  Para este filósofo identificar y captar un significado es una acción que se realiza al mismo tiempo.    Por lo tanto, no hay teoría que pueda sustituir la carencia de esa reacción que toda obra la genera.  A un objeto le damos artisticidad cuando reconocemos un valor considerado artístico y no porque la teoría, la concepción sofisticada de arte o el mundo del arte nos diga que el objeto observado es arte.

       Sin embargo, de todo lo leído, estudiado, visto e independientemente de que comparta el pensamiento de Tilghman, los textos de Arthur C. Danto también permiten plantear, ciertos puntos que podrían servir de guías para reconocer si un objeto/acción es o no una obra arte, por ejemplo:

1.  Si Danto dice que el surgimiento del posmodernismo es lo que impulsa el progreso del arte hacia una autoconciencia que provoca una revolución conceptual, entonces para comprender el mundo, el hombre necesita de la autoconciencia. Por ende, el artista necesita convertir esa autoconciencia en obras de arte, Si estamos dentro de un mundo inmerso en la violencia, el abuso, las guerras, etc. el   artista debe transgredir y transformar su arte en transgresor e incorrecto, por ese lado sabremos si es o no una obra de arte.
2.  Danto dice que el arte puede ser cualquier cosa que quieran los artistas, pero en estos tiempos no son solo ellos, sino el medio político, económico y social el que mueve al arte.   Instituciones y los expertos en la materia son los que definen, valor, términos económicos incluso tendencia de moda de arte. Buscar gente influyente que les permitan un cambio de estatus es lo que hace que muchos artistas tengan obras, hoy considerada arte. Por ese lado tenemos otra manera de reconocer una obra de arte.

 Ahora, por qué Danto eligió a Warhol y no a Duchamp como ejemplo para su texto, una hipótesis es porque para Arthur Danto, Warhol era un filósofo que mostraba en sus obras la naturaleza misma del arte, por eso lo eligió a él y no a Duchamp. Reconoce que las Brillo Box no son un ready-made, porque no son objetos comunes puestos en otro lugar no convencional para adquirir un significado distinto. En el texto, Danto lo relaciona con las características invisibles del brillo box, y el significado encarnado de la obra de Warhol, al mencionar que, si bien ambas obras poseen diferentes significados y tienen distinta encarnación (de lo que están hechos) la diferencia es que la caja de brillos del mercado glorifica el producto brillo al incluir los slogans escritos, en cambio las Brillo Box de Warhol no expresa el producto sino las mismas cajas de brillo. La encarna en el sentido de que tienen su mismo aspecto (¿Danto, Sueños Despiertos, Que es el Arte? 2013,61,62) 

Sin embargo, yo le doy otra interpretación, esto es basándome en que realmente las brillo box no eran cajas comunes, Warhol las construyó de madera como obras de arte, es decir con una idea preconcebida de que estaba haciendo arte, las elaboró exactamente iguales a las reales, usó la reproducción mecánica y delegó el trabajo de producción a sus asistentes.  Con esto estableció dos puntos importantes:

1.  La reconsideración del trabajo artístico en otra persona que no es el creador. 
2. La resignificación de imágenes que no pertenecían al mundo del arte.

Por esa razón creo que Danto lo consideró por sobre Duchamp.

         ¿Y que hay sobre la relación percepción-arte? Como se ha visto con un par de ejemplo, las obras de los artistas contemporáneos, en su inmensa mayoría,  no son miméticos y más allá de ser  bellas o no ser bellas sus obras,  Y ya se ha dicho y observado que en el arte se puede hacer de todo y cualquier cosa;  pero también el arte debe  jugar con las sensaciones, la percepción, en una especie de  conexión sin sentido e irracional que nos produce ciertos elementos cuando los vemos, yo le llamo a eso,  “LLANKHAY”,( palabra en  idioma quechua, que significa tocar levemente con la yema de los dedos)  aludiendo al encuentro íntimo con la naturaleza, la materia y el ser, fusionados en uno solo.   Esto me recuerda a Merleau-Ponty, haciendo una breve explicación de su pensamiento, podemos decir que él desarrolló una fenomenología genética que se preguntaba por el origen y el desarrollo del sentido, ya que de ahí nace la relación objeto-sujeto.  Su preocupación fundamental era la dialéctica sujeto-mundo que define nuestra existencia, el hombre como un ser operante, es decir, unido al mundo a través de su propio cuerpo, es “ser en el mundo” y manifestado a través de la percepción como un todo. 

“Mi percepción, no es, pues, una suma de datos visuales táctiles, auditivos; yo percibo de una manera indivisa como mi ser total, me apodero de una estructura única de las cosas, de una única manera de existir que habla a la vez de todos mis sentidos”(Merleau-Ponty 1977,91)

Pero ¿Cómo es el arte de hoy?  Pues a mi criterio el arte de ahora es extra disciplinares y expansivo tanto en elementos como en lugares.  El artista de hoy se mueve en diversas esferas. El internet y las nuevas tecnologías han contribuido para el boom del video art, el bio-art, arte espacial, el data art, el net art, finanza-art, etcétera practicas artísticas que vuelven a poner en vilo a las instituciones culturales cuyos parámetros aun después de más de sesentas años aun permanecen encasilladas en la pintura y en la escultura academicista. El trabajo y la investigación artística avanzan a lugares tan alejados del arte como la finanza, la química, la geografía, la psiquiatría, la medicina, la ingeniería espacial, la antropología, la electrónica, etcétera en un “Libre juego de facultades” como lo llama Holmes.

      El arte contemporáneo es pluralista y combina múltiples disciplinas, pues se entremezclan distintos lenguajes artísticos y diversos saberes y conocimientos, pues a medida que se desarrollan la tecnología, el arte también va tejiendo nuevas propuestas.  Un aspecto que relaciono con el pensamiento de Danto:

“Nadie puede negar que la práctica del arte consistía en imitaciones o en capturar apariencias, para parafrasear a los historiadores de arte contemporáneos. Que diferencia con la situación actual”   (Danto, Sueños Despiertos. ¿Que es el Arte? 2013, Prólogo)

       ¿Debe ponerse límites al arte?   Pues creo que eso sería como tratar de definir ¿que es el arte? Lo cual no es ni debe ser definido, a esto de los límites deberíamos preguntarnos ¿Es lícito censurar al arte?    Ambas interrogantes nos llevan a una problemática que se ha mantenido oculta o con un bajo perfil a lo largo de los tiempos y que hoy en pleno siglo XXI se ha visto un resurgimiento a modo global.  Limitar el arte o censurarlo sería como ponerle muros o barreras a la virtud y al conocimiento.  Considero que coartar el medio expresivo, incluso buscar definirlo es limitar el arte, por eso, concuerdo en no buscarle una definición al mismo.  Se dice que la represión al arte o que el hombre deje de producirlo, podría provocar la muerte del arte, pero es una hipótesis muy irreal ya que  el artista por naturaleza y convicción es un transgresor y crítico de su entorno, que combinado con una ilimitada creatividad,( todo lo que se imagina y el dinero pueda hacerlo o comprarlo, lo hace), sería casi que imposible que el arte desaparezca al contrario  creo que los artistas estarían felices de traspasar y hacer crítica de esos límites

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           La sociedad que crea que imponer límites o censurar el arte, porque ser grotesco o considerarlo no ético seguramente piensa que el límite de la moral es algo que por ley no debería cruzarse, para no resultar ofensivo, pensar eso es bastante ingenuo.  Las vanguardias en su tiempo rompieron los cánones academicistas de la belleza, muchos artistas románticos expresaron arte a través de escenas macabras y oscuras hoy en día cotizadas en millones de dólares.   Considero que el artista al ejecutar sus obras a partir de la experiencia y la realidad es mostrar simplemente un reflejo de la sociedad y muchas veces ese reflejo es desagradable, cruel y grotesco.  Este pensamiento un tanto retrograda es parte de la sociedad y de quienes tienen poder, de ahí que muchas veces la censura llega desde los grupos político y religiosos, entonces ante esto ¿Cuál debería ser el papel de las instituciones del arte en casos de censura de obras artísticas?  ¿Hay normativas respecto a la censura?  Y si las hay ¿el artista, el gestor, el curador esta al tanto de ella? ¿Las instituciones culturales saben como tomar acción ante una censura? 

Sobre el punto relacionado a las opiniones vertidas por “expertos” que he tomado de ejemplo en este ensayo, me han llevado a más preguntas que respuestas, pero no por lo que piensan del arte contemporáneo sino por las etiquetas de críticos y curadores que tienen, entonces cuestiono un tanto su oficio e inquiero en saber ¿Cuál es el rol del curador y el de la institución cultural en un sistema capitalista?  ¿Puede un curador operar con vicios de poder?  ¿Será verdad que algunos críticos se hacen llamar curadores para no sentir el rechazo generado en las redes sociales y el internet hacia la crítica y el crítico de arte? ¿Cuál es el rol del crítico de arte? ¿Que habrá de cierto que algunos de ellos acomodan su trabajo a conveniencia?  ¿Que habrá de cierto de que hay ciertos favoritismos por parte de este gremio para el impulso a determinados artistas?   ¿El curador ha instrumentalizado el acto de curar una obra o el oficio de curador?

Por otra pare si me voy  al plano relacional  artista-curador,  me lleva a recordar una parte de texto de Boris Groy[13] en el capitulo “Autoría Múltiple” de su libro Art Power donde decía que el artista al crear y seleccionar la obra hacia que curador y artista se conviertan en uno solo, y que  con esto estaba dando pauta a su desaparición, si el artista tenía el control de todo, entonces no era necesario el curador.

De la misma manera Robert Smithson[14]en su texto “Confinamiento Cultural expresaba que las reglas debían ser impuestas por el artista, ya que este confinamiento se producía cuando el curador imponía sus propios límites en lugar de pedir a los artistas que lo establezcan.  Entonces, ¿Realmente el artista puede prescindir del curador? ¿O es acaso una relación simbiótica indispensable? ¿Es el curador un artista? ¿El artista está capacitado para ser un curador?

Otro punto importante, es el tiene que ver con la obra per se-espectador, si bien es cierto el medio actual obliga a conceptualizar, y buscarle la representación y el significado de la obra de arte para lograr un acercamiento lógico con el espectador.   No creo necesario que el arte deba ser racionalizado ni lógico, el arte, para ser arte debe ser irracional.  Por tanto, no requiere de una conceptualización teórica ni racional.   Las obras por sí sola deben hablar y que el espectador sea el que perciba más allá de los propios sentidos, entonces siendo así, ¿Qué sucede con el arte contemporáneo? ¿Será que la falta de interés que se percibe en el espectador/público se debe a que éste no esta preparado para asumir/aceptar/comprender/entender estas “nuevas” propuestas o tal vez las instituciones encargadas de preservar, motivar e impulsar el arte de hoy no están haciendo su trabajo como debería?  ¿Hay formación de audiencias por parte de las instituciones culturales? ¿Son los salones, las bienales, las trienales, ferias de arte, galerías y museos los lugares idóneos para promover el arte o generar acercamiento con el público común?  ¿Estos espacios/instituciones trabajan y gestionan con el fin de generar desequilibrios y estados de cambios o están sujetos al mercantilismo capitalista neoliberal de los tiempos actuales?

Si miramos las cifras en el 2014 el mercado del arte movió 57.000 millones de dólares, se vendieron 2000 obras de arte a más de 1 millón de dólares frente a 460 que se vendieron en el 2004.  221 obras se vendieron por sobre el 1.5 millones y 125 obras igual o superior a 10 millones de dólares frente a las 18 del 2005.  Lo que llama la atención es que el ArtNet creció en 434% entre el 2013 y el 2014 lo cual supera a otras clases de activos como los metales preciosos, el vino y los automóviles de colección.  El mayor comprador de arte es China superando a EE.UU. Sin embargo, para el 2016 chino no solo compra, sino que mueve volúmenes de venta en subasta altísimo de 4790 millones de dólares y 91400 lotes adjudicados. Hong Kong es una plaza en crecimiento para el arte contemporáneo, cuenta con sucursales de prestigiosas galerías europeas y norteamericanas y ahí se han realizado las tres ediciones de ArtBAsel, la feria de arte contemporánea más selectiva.  EE.UU. y Reino Unido registraron un volumen de 24% y 27% respectivamente.

El dueño de la Gallery Saatchi, Charle Saatchi, es considerado entre mecenas, inversor y especulador de arte y todos los años promueve artistas con los que gana millones de dólares.  La Feria Arco creada en 1982 es referente dinamizador del mercado del arte y cita internacional de galerías, coleccionistas (privados e institucionales) que mueve ciento de miles de personas.  Los galeristas que suponen deben apoyar a los artistas en difusión y comercialización de obras, hoy fungen de productoras de arte, donde la galería generalmente se lleva un 50 o 40% sobre  el precio de la venta descontando la producción y los impuestos.

   

Las casas de subastas como Sotyheby's y Christie's solo entre el 2003-2004  la ganancia fue de 23 millones de euros y  para el 2014  crecieron en un 26% registrando 15200 millones de dólares frente a los 12500 logrados en el 2013. En el 2015 tuvieron ganancias sin precedentes, sólo Christie´s registró no menos de 1560 millones de dólares en ventas solo en mayo de ese año, lo que le permitió monopolizar el 65,7% del volumen de negocios del mercado del arte[15]. 

El debate sobre el anonimato en el mundo del arte se ha intensificado en el último año, alimentado en parte por la publicación de los Panamá Papers, que detallan el uso de fachadas corporativas para ocultar quién es el propietario, para evadir impuestos y permitir la delincuencia. Todo esto me lleva a preguntarme ¿Hay una mafia en el arte? ¿Qué se ha hecho para evitar las llamadas burbujas del arte? ¿Se puede inventar un artista para ganar dinero? ¿Que es el arte para las galerías? ¿Un negocio? ¿Un mercado? ¿Existe el lavado de dinero en el arte?  ¿Las casas de subastas saben quién es el dueño principal?

En cuanto al coleccionismo no hay políticas estatales que incentiven el mismo, y en la compra de arte hay un fuerte recargo de impuestos, lo cual estanca el coleccionismo privado.[16]  ¿Cómo se podría incentivar el coleccionismo?  ¿Será que el rubro cultura como un gasto deducible del impuesto a la renta incentivará de alguna manera el consumo de las artes, o el coleccionismo?

       Honestamente que no tengo respuestas ante tanto cuestionamiento, pero considero importante poner en relieve ciertos párrafos de artistas y pensadores cuyos pensamientos me resultan reflexivos y quizás oportunos, si es que queremos darle una nueva mirada al arte además de un quiebre al sistema y salir del estatus quos artístico en que nos encontramos.

       El primero que quiero mencionar son dos párrafos de Hans Ulrich Obrist, en When-Attitudes-Become-Form-de-Harald-Szeemann que hablan sobre el oficio del curador y sobre las instituciones del arte, estos a su vez lo conecto con la relación artista-espectador-entorno y concluyo con la critica institucional de Holmes y una de Simón Sheik.

      Hans Ulrich Obrist, en When-Attitudes-Become-Form-de-Harald-Szeemann decía:

“… la ausencia de un plan curatorial y una libertad de operaciones sin límites que hace estallar cualquier frontera. Sobre esto define su modus operandi en estos términos “libertad de actitud y forma que entrañaba también una libertad de espacio y de tiempo, con el comisario convertido en una figura paradójica que opera simultáneamente dentro y fuera de las instituciones oficiales, por ejemplo, en una villa teosófica, en un antiguo teatro, en un gimnasio…la idea de comisario freeland permanente.”

“Las exposiciones clásicas, tradicionales, ponen énfasis en el orden y la estabilidad. Sin embargo, en nuestras vidas y entornos sociales, constatamos la existencia de fluctuaciones y desequilibrios, una plétora de opciones y una visibilidad limitada. Igual que la física del no equilibrio ha desarrollado conceptos de “sistemas inestables” o de dinámica de “entornos variables”, una exposición auténticamente contemporánea deberá lanzar propuestas y expresar posibilidades de conexión.” 

Conexión que asemejo a la Estética Relacional de Nicolás Bourriaud[17]. En esas relaciones de proximidad que la ciudad y el entorno genera y que dan lugar a la transformación en la concepción de la actividad artística:

“Un laboratorio de formas vivas que cualquiera se puede apropiar” ….  una forma de arte donde la intersubjetividad forma el sustrato y que toma por tema central el estar-juntos, el 'encuentro' entre espectador y obra, la elaboración colectiva del sentido. [...] El arte es un estado de encuentro.

      Por otro lado, y siguiendo en esta idea de que los tiempos cambian y con ellos todo lo demás, la critica institucional también ha sufrido una serie de modificaciones a lo largo de estos años. Ya Brian Holmes nos señala tres fases de crítica institucional detectadas:

  1.- La que se plantea la investigación y critica del cubo blanco, del museo como un todo y reflexiona la idea de museo como una esfera pública burguesa, poniendo en tensión el mismo museo como un acercamiento, lo que Robert Smithsonllamaba “confinamiento cultural: cuando un curador impone sus propios límites a una exposición de arte, en lugar de pedir a los artistas que los establezca” (Smithson 1972)

2.- La que plantean a los artistas situando su contexto de trabajo en una indagación sistémica de la representación museológica, intentando relacionar poder económico-representación del “otro” bajo la influencia del colonialismo y feminismo que enmarcan un giro subjetivo.

3.- La que genera ese repensar de modalidades transversales de trabajo donde artistas-gestores culturales, movimientos sociales y otros articulan sus prácticas heterogéneamente para generar modelos de investigación extra disciplinares y militantes que desbordan los limites institucionales, tanto de la institución de arte como de acción colectiva y practica cultural (Holmes s.f.)

         Estos desbordamientos extra disciplinares de la actividad social y productiva de las instituciones culturales que a su vez forman nuevas institucionalidades es lo que se conoce como “practicas instituyentes” (Hito 2008,179-188)  que genera instituciones monstruos que a través de la noción de un “poder constituyente”[18]   abren otros ámbitos y generan nuevas subjetividades políticas que rompen con la dicotomía estado-sociedad o individuo-sociedad donde  sólo ahí se podría hablar de una nueva institucionalidad expandida hacia todas las dimensiones posibles: sociales, culturales, comunitarias, educativas, cooperativismo, economías sociales, etcétera.  Y cuyo carácter instituyente le exige una apertura al debate para no caer en posiciones fijadas y radicales y ser capaces de pronunciar conexiones entre crítica social, crítica institucional y auto crítica.[19] 

       Y, por último, creo importante buscar una clara contribución a la cultura evitando los fondos perdidos, en caso de las contribuciones estatales a la creación artística. El mecenazgo en el arte por parte del gobierno no debe estar orientado al campo de la beneficencia, la labor social o la asistencia, pues el arte viene del talento de una persona sin importar nivel socio económico, raza preferencia sexual ideología política o religiosa por lo que en las iniciativas gubernamentales de mecenazgo deben ser propuestas que contribuyan a la cultura y la identidad, evitando caer en corrupción como el compadrazgo o elegidos al dedo, ya sea por afinidad, pertenencia a un grupo o por intereses personales.

 Notas

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[1] Arthur Danto. (1924-2013) Crítico de arte y profesor de filosofía   Sus obras: El fin del arte (1984)  Después del Fin del arte (2012)Más allá de la caja Brillo: Las artes visuales desde una perspectiva poshistórica (Paidós, 2003)https://es.wikipedia.org/wiki/Arthur_C._Danto. 

[2] Maurice Merleau-Ponty(1908-1961) filósofo fenomenólogo, influido por Edmund Husserly de la psicología Gestalt. Escribió: La estructura del comportamiento. La fenomenología de la percepción. Sentido y sinsentido, entre otras.https://es.wikipedia.org/wiki/Maurice_Merleau-Ponty

[3] Brian Holmes  Investigaciones extradisciplinares. Hacia una nueva critica de las  Instituciones.      http://eipcp.net/transversal/0106/holmes/es

[4] Hans Ulrich Obrist 2009, “When attitudes becomes form de Harald Szeemann”. En. http://www.elcultural.es/revista/arte/When-Attitudes-Become-Form-de-Harald-Szeemann/26005

[5] Simon Sheik –Notas sobre Critica Institucional  http://eipcp.net/transversal/0106/sheikh/es

[6] Chris Cunningham Video “ Come to daddy”: www.youtube.com/watch?v=h-9UvrLyj3k www.chriscunninghamstudio.com

[7] MathewBarney“TheCremasterCycle”:https://www.youtube.com/watch?v=BTwt31GXOOw

[8] Maurice Merleau-Ponty  Sentido y sinsentido. El cine y la nueva psicología. 92

[9] Helio Oiticica: La experiencia estética como trascendencia de los sensible. https://www.upf.edu/forma/  Obra El Nucleo  -   Caputo laff Alessandra Francesco

[10] Zhang Huan https://www.infobae.com/2015/09/11/1754721-zhang-huan-el-arte-la-optica-occidental/

[11] Orlan https://www.lanacion.com.ar/1959412-orlan-la-obra-de-una-artista-que-grita-contra-los-estandares

[12] Marina Abranovich   https://es.wikipedia.org/wiki/Marina_Abramovi%C4%87

[13] Boris Groy https://gloriagduran.com/wp-content/uploads/2011/11/111128-autor%C3%ADa-multiple.-HUNCH1.pdf

[14]Roberth Smithson  –confinamiento cultural (1972)  docx

[15]http://artradingfinance.com/es/art-is-an-asset-class/art-markets-facts-and-figures/

[16]Eloisa del Alisal Sanchez  Arte y mercado Un aproximamiento. pdf

[17]  Nicolás Bourriaud- Bourriaud_Estetica-relacional_2002. Pdf

[18] Raunig, Gerard (2007) Prácticas instituyentes, nº 2 La crítica institucional, el poder constituyente y el largo aliento del proceso instituyente. En Tranversal. Extradisciplinar.European Institiue for Progressive Cutlural Policies. http://eipcp.net/transversal/0507/raunig/es

[19]Kastner, Jens (2007) “… Sin autohipnotizarse en este proceso de cuestionamiento”. Conceptualizar la autonomía, instituir en un lugar.En Tranversal. Instituient practices.European Institiue for Progressive Cutlural Policies.http://eipcp.net/transversal/0707/kastner/es

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Obras de artistas

•           Hans Ulrich Obrist 2009, “When attitudes becomes form de Harald Szeemann”.       En. http://www.elcultural.es/revista/arte/When-Attitudes-Become-Form-de-Harald-Szeemann/26005
•           Barney, Mathew “TheCremasterCycle”: https://www.youtube.com/watch?v=BTwt31GXOOw
•           Caputo Jaff Alessandra Francesco – Helio Oiticica: La experiencia estética como trascendencia de los sensible. https://www.upf.edu/forma/
•           Cunningham,  Chris Video “ Come to daddy”: www.youtube.com/watch?v=h-9UvrLyj3k    www.chriscunninghamstudio.com
•  Helio Oiticia. Obra El gran Nucleo: https://www.museoreinasofia.es/actividades/intervalo-5/cesar-oiticica-filho.  
•   Shaka .Arte 3D   https://codigovisual.wordpress.com/2012/05/29/el-arte-de-shaka-y-su-pintura-en-3d/Arte
•   Zhanh Huan. My Boston.  http://www.artnet.com/artists/zhang-huan/my-boston-2-D8TjWFzsOS8vzjDBlwBGDw2 
• Orlan - 9th Surgery-Performance   http://www.orlan.eu/works/photo-2/

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Bibliografía

·           C., Danto. Arthur. «El arte contemporaneo y el linde de la historia.» En Despues del fin del Arte, de Arthur C. Danto, 9. Buenos Aires: Paidós Transiciones, 1996.

·           Danto, Arthur C. «Sueños Despiertos, Que es el Arte?» 43,61,62. Madrid: Editorial          Paidós   Ibérica, 2013.

·           Hito, Steyeral. «La institución de la Critica.» En produccion Cultural y Practicas instituyentes. Lineas de ruptura institucional-Traficante de sueños, 179-188. Madrid,                2008.

·           Holmes, Brian. «Investigaciones extradisciplinares. Hacia una nueva critica de las             Instituciones.» http://eipcp.net/transversal/0106/holmes/es (último acceso: 10 de marzo de 2018).

·           León, Alcaraz. «El Mundo del Arte - Cfr Tighman B.R. Pero, eto es arte?» 1984. https://digitu,.um.es (último acceso: 2016).

·           Merleau-Ponty, Maurice. Sentido y Sin sentido- El cine y la nueva psicología. Madrid:     Peninsula, 1977.

·           Smithson, Robert. «Confinamiento cultural.» Pdf, 1972.

·           Kastner, Jens (2007) “… Sin autohipnotizarse en este proceso de cuestionamiento”.       Conceptualizar la autonomía, instituir en un lugar.En Tranversal. Instituient       practices.European Institiue for Progressive Cutlural          Policies.http://eipcp.net/transversal/0707/kastner/es

·     Simon Sheik –Notas sobre Critica Institucional  http://eipcp.net/transversal/0106/sheikh/es

·    http://artradingfinance.com/es/art-is-an-asset-class/art-markets-facts-and-figures/

·    Raunig, Gerard (2007) Prácticas instituyentes, nº 2 La crítica institucional, el poder        constituyente y el largo aliento del proceso instituyente.  En Tranversal.       Extradisciplinar.European Institiue for Progressive Cutlural Policies.          http://eipcp.net/transversal/0507/raunig/es